12 de jun de 2011

Escultura


Escultura é uma arte que representa imagens plásticas em relevo total ou parcial. Existem várias técnicas de trabalhar os materiais, como a cinzelação, a fundição, a moldagem ou a aglomeração de partículas para a criação de um objecto.

Vários materiais como a pipeta se prestam a esta arte, uns mais perenes como o bronze ou o mármore, outros mais fáceis de trabalhar, como a argila, a cera ou a madeira.
Embora possam ser utilizadas para representar qualquer coisa, ou até coisa nenhuma, tradicionalmente o objectivo maior foi sempre representar o corpo humano, ou a divindade antropomórfica. É considerada a quarta das artes clássicas.
O percurso da escultura europeia vai da Idade Média até ao século XIX. Da Idade Média é a delicada imagem da Virgem e o Menino, atribuída a Jean de Liège, escultor ao serviço do rei francês Carlos V. Do período do Renascimento destacam-se obras atribuídas a Antonio Rosselino e Andrea della Robbia, assim como uma qualificada colecção de medalhas com um núcleo substancial da autoria de Pisanello. O século XVIII francês apresenta obras de Jean-Baptiste II Lemoyne, Pigalle, Caffieri e Houdon, autor da escultura Diana.

A visão artística do século XIX é sublinhada na Colecção Gulbenkian com a apresentação de esculturas de Carpeaux, Barye, Dalou e Rodin.

Surrealismo

O Surrealismo é ....
O Surrealismo é uma corrente artistica que se espressa utiilizando o instinto, a subconsciência e o automatismo .
Seria como se o artista tivesse que se libertar de tudo o que fosse racional e normal para se expressar. Pode ser expresso em pintura, literatura ou cinema.

Artes Performativas

As Artes Perfomativas são todas as formas de arte que se desenvolvem num palco ou num local de representação onde haja blico. Muitas vezes estas apresentações de artes performativas podem ocorrer em praças e ruas. Assim podemos dizer também que este palco pode ser improvisado. Ou seja, o palco é qualquer local onde ocorre uma apresentação performativa. Podemos destacar as seguintes classes:

  • Representação
  • Canto
  • Dança
  • Artes circenses

Naturalismo


O Naturalismo foi um movimento cultural relacionado às artes plásticas,literatura e teatro.
Surgiu na França, na segunda metade do século XIX.

Caracteristícas:


  • A principal característica do Naturalismo é o cientificismo exagerado que transformou o homenm e a sociedade em objectos de experiências,

  • Descrições minunciosas e linguagem simples.

Temáticas:


O Naturalismo perfere temas como a miséria, adultério,crimes,problemas sociais, taras sexuais, etc... . O naturalista mostra uma vontade de reformas a sociedade.


Principais autores:



  • Aluísio Azevedo- Publicou "O Mulato" em 1881, este aborda temas como o puritanismo sexual, o anticlericalismo e o racismo.

  • Inglês de Souza- Publicou "O Missionário" em 1891, este aborda a influência do meio sobre o individuo.

  • Adolfo Caminha- Publicou as obras "A Normalista" em 1892 e "O Bom Crioulo" em 1895, que falam sobre desvios sexuais e homosexualidade.

Técnicas:


Na técnica e no estilo, os naturalistas levaram às últimas consequências os postulados do realsimo. Acima de tudo, procuraram dar o máximo vigor aos métodos de observação e documentação, e tornaram mais precisa a reprodução da língua falada.

Realismo

Realismo foi um movimento artistico e literário surgido nas últimas décadas do século XIX na Europa, mais especificamente na França, em reação ao Romantismo.

Graffiti


A arte que embeleza ou enfeita as cidades tem origem na antiguidade. Para muitos, o graffiti é apenas uma "pichação evoluída". Para outros, é uma arte urbana. O facto é que ele está presente em diversas partes da cidade: balneários públicos, fachadas de edifícios,muros, casas abandonadas, autocarro, metro, cabines telefónicas, postes, monumentos públicos eoutros lugares expostos.

A palavra graffiti tem origem na Itália significa "escrita feita com carvão". Os antigos romanos escreviam assim,com carvão, manifestações de protestos, ou de qualquer outro cunho nas paredes das construções. Alguns desses graffitis ainda podem ser vistos em sítios arqueológicos espalhados pela Itália. No final da década de 1960, jovens do Bronx, bairro de Nova York, (EUA), restabeleceram essa forma de arte usando tintas spray. O graffiti seria uma das três manifestações artísticas do hip-hop,movimento nascido nos guetos americanos que reúne outras duas modalidades: o rap e o break. Os artistas do graffiti costumavam em seus trabalhos chamar a atenção para problemas
de ordem política ou questões sociais.

6 de jun de 2011

Futurismo


O futurismo é um movimento artístico e literário, que surge oficialmente a 20 de Fevereiro de 1909, com a publicação do Manifesto Futurista, no jornal francês “Le Figaro”, pelo poeta italiano Filippo Marinetti.
Os adeptos do movimento recusavam o moralismo e o passado. As suas obras baseavam-se fortemente na velocidade e nos desenvolvimentos tecnológicos do final do século XIX.
Os primeiros futuristas europeus também apregoavam a guerra e a violência. O Futurismo desenvolveu-se em todas as artes e influenciou diversos artistas, que mais tarde, fundaram outros movimentos modernistas.
A pintura futurista foi explicitada pelo cubismo e pela abstracção. Mas o uso das cores vivas e contrastes, e também a sobreposição das imagens pretendia dar a ideia de dinâmica, deformação e não materialização por que passam os objectos e o espaço quando ocorre a acção.
Neste estilo procura-se expressar o movimento actual, registando a velocidade bdescrita pelas figuras em movimento no espaço. O artista futurista não está interessado em pintar determinado objecto, mas sim em captar a forma plástica à velocidade descrita por ele no espaço.
As suas principais características são a desvalorização da tradição e do moralismo, a valorização do desenvolvimento industrial e tecnológico, a propaganda como principal forma de comunicação, o uso de onomatopeias nas poesias, as poesias com uso de frases fragmentadas para passar a ideia de velocidade, as pinturas com uso de cores vivas e contrastes e a sobreposição de imagens, traços e pequenas deformações para passar a ideia de movimento e dinamismo.

Arte Contemporânea

A arte Contemporânea foi um período artístico que surgiu na segunda metade do século XX e se prolongou até aos dias de hoje.
Quando se fala em arte contemporânea não é para designar tudo o que é produzido no momento, e sim aquilo que nos propõe um pensamento sobre a própria arte ou uma análise crítica da teoria visual. Como dispositivo de pensamento, a arte interroga e atribui novos significados ao se apropriar de imagens, não só as que fazem parte da historia da arte, mas também as que habitam o quotidiano. O belo contemporâneo não busca mais o novo, nem o espanto, como as vanguardas da primeira metade deste século: propõe o estranhamento ou o questionamento da linguagem e sua leitura.

Cubismo


O cubismo é um movimento artístico que surgiu no século XX. O quadro Les demoiselles d'Avignon", de Picasso, de 1907 é conhecido como referência inicial do Cubismo. Nele ficam evidentes as referências: a máscaras Africanas , que inspiraram a fase inicial do cubismo, juntamente com a obra de Paul Cézanne.

O Cubismo representava as formas da natureza por meio de figuras geométricas. A representação do mundo passava a não ter nenhum compromisso com a aparência real das coisas.
O movimento cubista evoluiu constantemente em três fases: a fase cezannista ou cezaniana entre 1907 e 1909, a fase analítica ou hermética entre 1909 a 1912, e a fase sintética. Da fase sintética decorrem dois movimentos: o orfismo e a secção de ouro.
Historicamente o Cubismo derivou da obra de Cézanne, pois para ele a pintura deveria representar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros. Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne, pois tentam representar os objectos em três dimensões, numa superfície plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas rectas. Não representam, mas sugerem a estrutura dos corpos ou objectos, representa-os como se movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos visuais, por cima e por baixo, compreendendo todos os planos e volumes.

Pop Art





Pop art (ou Arte pop) é um movimento artístico surgido na década de 1930 no Reino Unido e nos Estados Unidos. Nas décadas de 40 e 50 ocorre o ápice do pop art. Lawrence Alloway foi o criador e um dos principais participantes.
O pop art propunha que se admitisse a crise da arte que assolava o século XX e pretendia demonstrar com suas obras a massificação da cultura popular capitalista. Procurava a estética das massas, tentando achar a definição do que seria a cultura pop, aproximando-se do que costuma chamar de kitsch.
Parte desta informação foi retirada do site: pt.wikipedia.org

Arte digital



Dadaismo

O dadaísmo surgiu no ano de 1916, por iniciativa de um grupo de artistas que, descrentes de uma sociedade que consideravam responsável pelos estragos da Primeira Guerra Mundial, decidiram romper deliberadamente com todos os valores e princípios estabelecidos por ela anteriormente, inclusive os artísticos. A própria palavra dadá não tem outro significado senão a própria falta de significado, sendo um exemplo da essência desse movimento iconoclasta.Não se deve estranhar o fato de artistas plásticos e poetas trabalharem juntos - o dadaísmo propunha a atuação interdisciplinar como única maneira possível de renovar a linguagem criativa. Dessa forma, todos podiam ter vivência de vários campos ao mesmo tempo, trocando técnicas ou combinando-as. Nihilistas, irracionais e, às vezes, subversivos, os dadaístas não romperam somente com as formas da arte, mas também com o conceito da própria arte.A pintura dadaísta foi um dos grandes mistérios da história da arte do século XX. Os pintores deste movimento, guiados por uma anarquia instintiva e um forte nihilismo, não hesitaram em anular as formas, técnicas e temas da pintura, tal como tinham sido entendidos até aquele momento. Um exemplo disso eram os quadros dos antimecanismos ou máquinas de nada, nos quais o tema central era totalmente inédito para aqueles tempos. 

Design


O design é a configuração, concepção, elaboração e especificação de um artefacto. Essa é uma actividade técnica e criativa, normalmente orientada por uma intenção ou objectivo, ou para a solução de um problema. Simplificando, pode-se dizer que design é projecto.
Exemplos de coisas que se podem projectar incluem muitos tipos de objectos, como utensílios domésticos, vestimentas, máquinas, ambientes, e também imagens, como em peças gráficas, famílias de letras (tipografia), livros e interfaces digitais de softwares ou de páginas da Internet, entre outros.
O design é também uma profissão, cujo profissional é o designer. Os designers normalmente especializam-se em projectar um determinado tipo de coisa. Actualmente as especializações mais comuns são o design de produto, design visual, design de moda e o design de interiores.
O palavra design pode ser considerada um estrangeirismo, por ter sido apropriada do inglês. Por essa razão, utiliza-se muitas vezes expressões como desenho industrial.

Arte Grega

Por arte da Grécia antiga compreende-se as manifestações culturais de arte e arquitectura daquele país desde o início da Idade do Ferro (século XI a.C.) até o final do século I a.c. Antes disso (Idade do Bronze), a arte grega do continente e das ilhas (exceptuando-se Creta, onde havia uma tradição diferente chamada arte minóica) é conhecida como arte micênica, e a arte grega mais tardia, chamada helenística, é considerada integrante da cultura do Império Romano (arte romana).

As manifestações artísticas gregas, que conheceram grande unidade ideológica e morfológica, encontraram os seus alicerces numa filosofia antropocêntrica de sentido racionalista que inspirou as duas características fundamentais deste estilo: por um lado a dimensão humana e o interesse pela representação do homem e, por outro, a tendência para o idealismo traduzido na adoção de cânones ou regras fixas (análogas às leis da natureza) que definiam sistemas de proporções e de relações formais para todas as produções artísticas.

Creation of Adam (Michelangelo) Detail.jpg

Da pintura grega antiga não resta hoje mais do que reduzidos vestígios, e dela pouco se sabe com segurança. Isso não significa que não houve produção, ou que tenha sido elementar, ao contrário, fontes literárias da época atestam extenso e refinado cultivo de pintura em várias técnicas desde o período arcaico, com o desenvolvimento de várias escolas distintas, e com artistas que foram celebrados por seus contemporâneos e cuja fama chegou aos nossos dias, como Polignoto, Zeuxis e Apeles. Mas devido à fragilidade dos materiais quase tudo se perdeu, exceto alguns notáveis murais em tumbas dos séculos IV e III a.c., especialmente em Vergina, na Macedônia. Sobrevive, por outro lado, expressiva produção de pintura aplicada à decoração de objetos utilitários, como os vasos.

Parte desta informação foi retirada do site: http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte_da_Gr%C3%A9cia_Antiga

Classicismo

O contexto histórico do classicismo

À volta do mesmo espírito antropocêntrico da antiguidade faz com que o homem renascentista busque inspiração nos modelos artísticos e literários – nas obras – das antigas civilizações, principalmente nas da Grécia antiga.

Assim, as características das obras da antiguidade são trazidas de volta e são também chamadas de idade clássica e as obras produzidas naquela época são igualmente chamadas de clássicas.

Como a obra renascentista possui as mesmas características da obra da antiguidade, também ela é chamada de clássica e esse período artístico e literário, de classicismo.




Características do classicismo renascentista:
  • Antropocentrismo
  • Presença de elementos da mitologia
  • Presença de elementos do cristianismo
  • Preciosismo vocabular
  • Obediência à versificação
  • Figuras (em especial de personificação)
  • Racionalismo (=objetividade)
  • Universalismo (=generalização)

CARACTERÍSTICAS DO CLASSICISMO

1- Imitação dos autores clássicos gregos e romanos da antiguidade:
Homero, Virgílio, Ovídio, etc...
2- Uso da mitologia
Os deuses e as musas, inspiradoras dos clássicos gregos e latinos a parecem também nos clássicos renascentistas: Os Lusíadas: (Vênus) = a deusa do amor; Marte (o deus da guerra), protegem os portugueses em suas conquistas marítimas.
3- Predomínio da razão sobre os sentimentos
A linguagem clássica não é subjetiva nem impregnada de sentimentalismos e de figuras, porque procura coar, através da razão, todas os dados fornecidos pela natureza e, desta forma expressou verdades universais.
4- Uso de uma linguagem sóbria
Simples, sem excesso de figuras literárias.
5- Idealismo
O classicismo aborda os homens ideais, libertos de suas necessidades diárias, comuns. Os personagens centrais das epopeias (grandes poemas sobre grandes feitos e heróicos) nos são apresentados como seres superiores, verdadeiros semideuses, sem defeitos. Ex.: Vasco da Gama em os Lusíadas: é um ser dotado de virtudes extraordinárias, incapaz de cometer qualquer erro.
6- Amor Platónico
Os poetas clássicos revivem a idéia de Platão de que o amor deve ser sublime, elevado, espiritual, puro, não-físico.
7- Busca da universalidade e impessoalidade
A obra clássica torna-se a expressão de verdades universais, eternas e despreza o particular, o individual, aquilo que é relativo.

Arte Gótica



O estilo gótico designa uma fase da história da arte ocidental, identificável por características muito próprias de contexto social, político e religioso em conjugação com valores estéticos e filosóficos e que surge como resposta à austeridade do estilo românico. Este movimento cultural e artístico desenvolve-se durante a Idade Média, no contexto do Renascimento do Século XII e prolonga-se até ao advento do Renascimento Italiano em Florença, quando a inspiração clássica quebra a linguagem artística até então difundida. Os primeiros passos são dados a meados do século XII em França no campo da arquitectura (mais especificamente na construção de catedrais) e, acabando por abranger outras disciplinas estéticas, estende-se pela Europa até ao início do século XVI, já não apresentando então uma uniformidade geográfica. A arquitectura, em comunhão com a religião, vai formar o eixo de maior relevo deste movimento e vai cunhar profundamente todo o desenvolvimento estético.

Body Art


A Body Art (do inglês, arte do corpo) está associada à arte conceitual e ao minimalismo. É uma manifestação das artes visuais onde o corpo do artista é utilizado como suporte ou meio de expressão.

O espectador pode actuar não apenas de forma passiva mas também como voyeur ou agente interativo. As obras de body art, como criações conceituais, são um convite à reflexão.
Foi na década de 1960 que essa forma de arte se popularizou e se espalhou pelo mundo. Há casos em que a body art assume o papel de ritual ou apresentação pública, apresentando, portanto, ligações com o Happening e Performance. Outras vezes, sua comunicação com o público dá-se através de documentação, por meio de videos ou fotografia.



Op arte


Op art é um termo usado para descrever a arte que explora a falha do olho e pelo uso de ilusões ópticas.
A expressão"op art" vem do inglês (optical art) que significa "arte óptica". Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo versátil e instável, que não se mantém nunca o mesmo.
Apareceu em 1950, em simultâneo na Europa e no EUA. As obras de op art são em geral abstractas, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observadas, dão a impressão de movimento, clarão ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se, mas no entanto são linhas e cores que colocados de certa forma fazem esses efeitos.
A Op art utiliza um ponto de fuga que se situa no infinito, torna-se mais real, ou seja, dá para ver como se fosse desaparecendo para o horizonte.
O termo surgiu pela primeira vez na Time Magazine em Outubro de 1964, embora já se produzissem há alguns anos trabalhos que hoje podem ser descritos como "op art".
Sugeriu-se que trabalhos de Victor Vasarely, dos anos 30, tais como a Zebra (1938), que é inteiramente composto por linhas diagonais a preto, curvadas de tal modo que dão a impressão tridimensional de uma
zebra sentada, devem ser consideradas as primeiras obras de op art.



Principais expoentes:
  • Victor Vasarely
  • Ad Reinhardt
  • Keneth Noland
  • Bridget Riley
  • Alexander Calder
  • Youri Messen-Jaschin


Impressionismo











Impressionismo foi um movimento artístico que surgiu na pintura europeia do século XIX. O nome do movimento é derivado da obra Impressão, nascer do sol em 1872 de Claude Monet, um dos maiores pintores desta corrente artística.










Os autores impressionistas não se preocupavam com os preceitos do Realismo ou da academia. A busca pelos elementos fundamentais de cada arte levou aos pintores impressionistas a pesquisar a produção colorida não interessados em temáticas nobres ou no retrato fiel da realidade, mas em ver o quadro como uma obra em si mesma. A luz e o movimento utilizando pinceladas soltas tornam-se o principal elemento da pintura, sendo que geralmente as telas eram pintadas ao ar livre para que o pintor pudesse capturar melhor as variações de cores e das luzes da natureza. A decorrente arte visual do impressionismo foi logo seguida por movimentos idênticos noutros meios, os quais ficaram conhecidos como música impressionista e literatura impressionista.












Vicent Van Gogh também foi um dos pintores que iniciou o seu percurso artístico tendo como base os princípios do impressionismo, mas que cedo derivaram no que hoje chamamos pós-impressionismo.

























Arte Naïf


Arte naïf ou arte primitiva moderna é, em termos gerais, a arte que é produzida por artistas sem preparação académica na arte que executam (o que não implica que a qualidade das suas obras seja inferior). Caracteriza-se, em termos gerais, pela simplicidade e pela falta de alguns elementos ou qualidades presentes na arte produzida por artistas sem formação nessa área.







As principais características da arte naïf (por exemplo, na pintura) são a forma desajeitada como se relacionam determinadas qualidades formais; dificuldades no desenho e no uso da perspectiva que resultam numa beleza desequilibrada mas, por vezes, bastante sugestiva; uso frequente de padrões, uso de cores primárias.
Por se referir à uma tendência estética e não particularmente a uma corrente de pensamento é recorrente a errônea classificação "naif" de artistas na realidade conscientes de sua produção formal que optam por uma figuração sem compromisso fotográfico com a realidade


Abstracionismo


O abstracionismo refere-se às formas de arte não administradas pela figuração e pela imitação do mundo, ou seja, não representam objetos próprios da realidade concreta. Ao contrário, se utiliza das relações formais entre cores, linhas e superfícies para produzir a realidade da obra.
O seu aparecimento deve-se às experiências das vanguardas européias, que rejeitaram a herança renascentista das academias de arte. A arte abstracta existe desde o princípio da civilização, passando por algumas fases de maior ou menor aceitação. Hoje a expressão é mais usada para nomear a produção artística do século XX, produzida por determinados movimentos e escolas inseridos na arte moderna. Grande parte dos movimentos desse século concedia valor à subjetividade na arte, admitindo distorções de forma que se defrontava com a idéia do renascentista Giorgio Vasari. Ele acreditava que este valor devia-se a capacidade de representar a natureza com rigor.

No começo do século XX, antes que os artistas atingissem a abstração absoluta, o termo foi utilizado para se referir a escolas como o cubismo e o futurismo. O abstracionismo divide-se em duas tendências: abstracionismo lírico; abstracionismo geométrico. O abstracionismo lírico aparece como uma reação a Primeira Guerra Mundial. Para compor uma arte imaginária, inspirava-se no instinto, no inconsciente e na intuição. As características da arte não figurativa são: o jogo de formas orgânicas, as cores vibrantes e a linha de contorno. A pretensão do abstracionismo lírico é transformar manchas de cor e linhas em ideais e simbolismos subjetivos.

O abstracionismo geométrico recebeu influência do cubismo e do futurismo. Ao contrário do abstracionismo lírico, foca a racionalização que depende da análise intelectual e científica. No Brasil, o abstracionismo teve suas primeiras representações na década de 40.

Existiram vários pintores importantes, entre eles :
  • Francis Bacon
  • Décio Pinto Aquino Rego
  • Walter Gropius
  • Jackson Pollock
  • Le Corbusier
  • Piet Mondrian
  • Henry Moore
  • Oscar Niemeyer
  • Gerrit Rietveld
  • Tomie Hotake
  • Victor Vasarely
  • Frank Lloyd Wright

30 de jan de 2011

Body art

O corpo como suporte para a expressão plástica

2 de jan de 2011

Optical Art

http://pintarpalavras.blogspot.com/2008/07/victor-vasarely-nascido-vsrhelyi-gyz.html

Com bastante interesse este artigo dedicado a Vasarely, um dos expoentes da Optical Art.

E este outro... sobre arte cinética (a ver)

10 de jul de 2008

Oitenta anos de arte!

http://www.shafirart.com/

Este é um link para o site de Ilana Shafir, senhora octogenária que utiliza uma técnica bastante espontânea que a leva por caminhos bem criativos em vários campos da expressão plástica. Vale a pena faze uma pequena incursão pelo trabalho desta senhora. Os seus trabalhos em embutidos de cerâmica são deliciosos e com um efeito visual espectacular.
Aproveitem, disfrutam e aprendam! Pode ser que um dia façamos uma experiência com estas técnicas.

CR

6 de abr de 2008

O Rosto Feminino na Arte

http://www.artgallery.lu/digitalart/women_in_art.html

Este é um link para um site de uma galeria de arte em que podes visionar um filme sobre a evolução da pintura ao longo dos séculos a partir da representação do retrato feminino. Esta é uma apresentação da arte muito bem feita fazendo-nos navegar pelos principais movimentos artísticos da História das Artes Plásticas. Vale a pena dares uma espreitadela!